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HISTORY OF AOR

AOR: From Radio Format to Musical Genre

Few rock terms have shifted meaning as much as the three letters that give this archive its name. In British usage, the abbreviation AOR can stand for album-oriented rock, adult-oriented rock or album-oriented radio [1], and in the eighties it also circulated as arena-oriented rock, that is, stadium rock [2]. The specialist press concedes that there is no agreement even on how to spell it out, and that the term often serves as a catch-all [3], while much of the audience labels the music melodic rock or, sometimes, melodic hard rock [2]. That ambiguity is a direct product of its history. The expression was born in the United States as a way of programming FM stations and ended up naming a style: melodic yet forceful rock with meticulous production, which ruled American radio from the late seventies through much of the eighties [4], and which survives today through independent labels, festivals and reissues.

The story begins on the FM dial. On July 1, 1964, the Federal Communications Commission (FCC) adopted a rule barring FM stations in cities of more than 100,000 people from devoting more than half of their broadcast week to repeating the programming of a co-owned AM station; the agency expected the measure to encourage the growth of FM [5]. After a postponement, the rule took effect on October 15, 1965, although the exemptions granted delayed its full application until early 1967 [5][6]; the FCC repealed it in 1986 to help AM stations [6]. KMPX-FM in San Francisco was then a foreign-language station, selling blocks of airtime to outside programmers [7]. In February 1967, Larry Miller took over its overnight shift with what he called a "folk rock" show, and on April 7 Tom Donahue joined the station [7], introducing a commercial "underground" free-form format [8] in which the DJs themselves chose the album tracks [9]. In June the station dropped its Chinese-language programming altogether [8], and on August 6, as the last foreign-language contracts ran out, it switched to rock around the clock [7]. In March 1968, after Donahue was replaced as program director, the KMPX staff went on strike, and in May he and other strikers moved to Metromedia's KSAN [7]. The Museum of Broadcast Communications regards Donahue's model as the origin of progressive radio and, later, of AOR radio, and notes that free-form programming lost force as its popularity waned and station managers began to reassert stricter control over disc jockeys and their playlists [8].

The term itself grew out of that process of tightening. According to his professional biography, Mike Harrison, program director at KPRI in San Diego, coined the phrase Album Oriented Rock in the early seventies to describe a more commercial, more accessible strain of progressive radio, and was the first programmer to develop and promote it as a format; the same biography describes the format as the next stage of progressive rock radio and the predecessor of classic rock [10]. In August 1975 Harrison resigned as program director of KPRI to join the trade paper Radio & Records full time; listed on its masthead as AOR editor, he was to expand its Album Oriented Rock section, which, the paper said, made it "the only industry trade publication with individual full time staffs for Rock, Country, Pop/MOR and now AOR" [11]. According to The Washington Post, Lee Abrams launched a format he called Superstars on New Year's Day 1973 [12]. Its central idea, as he has explained, was to build listener familiarity around the artist rather than the song [13]: stations using the format aired lesser-known tracks by established names, and the job of compiling playlists moved from disc jockeys to consultants and station management [12]. Abrams has recalled that he signed WQDR in Raleigh, North Carolina, as a consulting client while still working at WRIF in Detroit, and that the following week he moved to Atlanta to set up the consultancy Burkhart/Abrams [13]. At WQDR, the playlist and program structure that became known as Superstars were created by Abrams, program director David Sousa and Robert W. Walker, an associate of Abrams; after its first year, the format was already being used in more than thirty markets across the United States [14]. In a January 2003 feature, The Washington Post observed that "for most of the '70s and '80s, Abrams was the most influential man in FM radio," and called Superstars "the Model T for FM rock formats," the template for all that came after it [12].

Originally a piece of radio-industry jargon, the abbreviation eventually came to name a genre [4]. Journalist Paul Rees, author of an oral history of the style, places its starting point in Boston's self-titled 1976 debut and its first single, "More Than a Feeling," and argues that its success opened the door for other bands [4]. That album is also an extreme case of creative control. As Tom Scholz told Classic Rock, Epic assigned John Boylan as producer; Scholz played guitar, organ and bass in his basement, the drums were played by Sib Hashian and Jim Masdea, and the instrumental tracks were then taken to Los Angeles, where Brad Delp overdubbed the vocals; Boylan and Scholz mixed the record together [15]. Scholz himself refers to it as an album that has sold more than seventeen million copies [15].

Foreigner came together in 1976 around guitarist Mick Jones, singer Lou Gramm and Ian McDonald, formerly of King Crimson [16]. In San Francisco, Journey changed course when manager Herbie Herbert brought in singer Steve Perry in 1977 and hired Roy Thomas Baker to produce; Infinity, released in early 1978, reached No. 21 on Billboard's album chart [17]. In the late seventies, Styx was recognized as one of the pioneers of so-called pomp rock, an American take on progressive rock designed to fit commercial radio without giving up instrumental ambition, a form the band established with considerable success alongside Kansas and Starcastle [18]; The Grand Illusion (A&M, 1977) was the first Styx album to sell a million copies [3]. It was journalist Geoff Barton who, writing in Sounds, issued the cry "Pomp rock lives! Head for the hills!"; in Britain, however, the style never left the margins, many listeners regarded it as overblown, and by the early eighties it had run its course as a movement [19]. Purists still class Kansas, Styx and Britain's Magnum as pomp acts rather than AOR [3].

In Los Angeles, the studio scene contributed another strand. Toto, founded by keyboardist David Paich and drummer Jeff Porcaro, who had already worked together as session musicians on several records, released its first album in 1978 [20]. In 1980, producers David Foster and Jay Graydon issued the only album by Airplay, which Tower Records Japan presents as an AOR textbook and which, together with Toto, lent its name to an entire strand known in Japan as "TOTO/Airplay" [21]. According to Graydon himself, it was Japanese fans who came up with the label "Westcoast Sound" for the style that, in his view, began with that record [22]. Geography matters here, because in Japan the abbreviation refers to different music. According to Sony Music Japan, the genre known in the United States in the late seventies as adult contemporary was renamed AOR (Adult Oriented Rock) in Japan, an English-language term coined there and associated with sophisticated, urban music; and although there are competing theories about its origins, few dispute the influence of Boz Scaggs's Silk Degrees (1976) [23]. As a result, a Japanese fan and a European fan may still mean different things by the same three letters.

The turn of the decade took AOR to the top of the charts. REO Speedwagon's Hi Infidelity, released by Epic in November 1980 under catalog number 36844, reached No. 1 on Billboard on February 21, 1981, logged fifteen weeks at the top and was the year's best-selling rock LP [24]. Foreigner's 4, produced by Robert John "Mutt" Lange and recorded at Electric Lady Studio in New York after the departure of Ian McDonald and keyboardist Al Greenwood [25], spent ten weeks at No. 1 in three separate runs beginning in August 1981 [16][25], and Escape, released by Columbia the same year, gave Journey its first No. 1 [17]. On March 21, 1981, Billboard began publishing "Top Tracks," a chart that tracked airplay of songs on AOR stations regardless of whether they had been released as singles; renamed Top Rock Tracks in 1984, Album Rock Tracks in 1986 and Mainstream Rock Tracks in 1996, it is the forerunner of today's Mainstream Rock chart [26][27]. At the time, Mike Harrison himself was working for the magazine as a radio columnist and chart consultant [10]. The year 1982 brought the debut by Asia, the group formed by John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes and Carl Palmer, which racked up nine weeks at No. 1 on Billboard's album chart, interrupted for three by Paul McCartney's Tug of War, and finished the year as America's best-selling album [28], as well as "Eye of the Tiger," written by Jim Peterik and Frankie Sullivan at Sylvester Stallone's request for Rocky III after Queen refused permission to use "Another One Bites the Dust" [29]. The song gave Survivor six weeks at No. 1 on the Billboard Hot 100 and a Grammy for Best Rock Performance by a Duo or Group with Vocal [29][30]. Toto IV, released by Columbia in April 1982 [31], won six awards at the 25th Grammys, including Record of the Year for "Rosanna," Album of the Year and Producer of the Year; the Recording Academy itself notes that rock critics of the day held the band in little regard [32].

Commercial success did not translate into critical respect. As Journey's sales mounted, sections of the press began wielding the label "corporate rock" against the band [33], and Dave Marsh, a critic for Creem and Rolling Stone, gave each of the nine albums Journey had released up to that point, Escape included, a single star out of five in The New Rolling Stone Record Guide (1983) [34]. Styx's Dennis DeYoung sums up the grievance from the other side: in his view, Foreigner and the other bands of that decade were brushed aside by the rock press for having the nerve to write catchy songs the public enjoyed [4]. Rees, for his part, argues that this music succeeded without needing the critics' approval [35].

MTV went on the air on August 1, 1981 [36], and Rees suggests the channel may have contributed to the genre's decline, pointing to Billy Squier's 1984 video for "Rock Me Tonite" as an early warning sign [4]. AOR did not disappear, however; it changed shape. Bon Jovi, Def Leppard and Sweden's Europe became giants of the genre and carried its appeal to a mass audience [3]. Bon Jovi's Slippery When Wet, released on August 18, 1986, and produced by Bruce Fairbairn, spent eight weeks at No. 1, gave the band two No. 1 singles co-written with Desmond Child, "You Give Love a Bad Name" and "Livin' on a Prayer," and was Billboard's best-selling album of 1987 [37]. Rees's oral history frames AOR's glory years as 1976 to 1986 [38].

In Britain, Kerrang! was launched on June 6, 1981, as a heavy metal special issue of the weekly Sounds under Geoff Barton, devoted to the new wave of British heavy metal and the rise of hard rock; its success turned it into a monthly and, from 1987, a weekly [39]. Among its writers was Derek Oliver, who had come from Melody Maker and who in 1989 moved to the United States, where he worked in A&R for labels including Atlantic, Atco, East West, Elektra and Roadrunner [40]. The magazine also had an effect on AOR collecting. At the Record and Tape Exchange on London's Goldhawk Road, Oliver came across a copy of the LP by Alpha Centauri, a band believed to be from Winnipeg, where its manager and label were based, but which turned out to come from Greeley, Colorado; the enthusiastic review the record later received in Kerrang! sent AOR fans hunting for it [41]. Rarities of that kind, such as the LP by Toronto band Cinema Face, which changed hands for hundreds of dollars in Europe, were among the priorities of the Canadian label Pacemaker, founded in 1992 to reissue Canadian artists on CD [41].

On January 11, 1992, Nirvana's Nevermind knocked Michael Jackson's Dangerous off the top of the Billboard 200, a changing of the guard that the magazine itself links to the start of the grunge era [42]. For AOR, the decade was one of survival on the margins. According to Dave Ling, a co-founder of Classic Rock, the genre's seventies giants had ended up filed alongside hair metal, and grunge swept both aside; Bon Jovi adapted with Keep the Faith, setting aside the kind of anthem it had written with Desmond Child, but it was an exception, and most bands had a hard time in a business that showed them no mercy [43]. Ling argues that melodic rock survived by moving underground, kept going out of public view by bands such as Crown of Thorns and Unruly Child and by independent labels such as Escape Music and Now & Then [43]. Now & Then was founded in the autumn of 1992 by Mark Ashton, Bruce Mee and Peter Sims, who had previously run the fanzine Boulevard [44]; Escape Music was incorporated in August 1996 out of a partnership between Khalil Turk and Barrie Kirtley, co-author of the fanzines AOR Basement and AOR Classics [45]. Completing that network were Andrew McNeice's website Melodicrock.com, mail-order companies and the German label MTM [46].

In Italy, meanwhile, Frontiers was taking shape. According to the company's own account, on February 27, 1996 Serafino Perugino registered a company in Naples, naming it after Journey's 1983 album; its first transaction was paying an invoice from the Swedish label Westcoast Records for CDs that no one in Italy was distributing [47]. In 1997, Now & Then signed a licensing agreement under which Frontiers would market its productions throughout Europe [44]. What began as a distributor became, again by Frontiers' account, the leading label for melodic rock and, later, for hard rock and metal as well; in 2010 it signed a North American distribution deal with Caroline/EMI, and in 2014 it staged the first Frontiers Rock Festival in Milan, featuring only artists from its roster [47].

The live circuit followed a parallel path. From 1993 to 2002, The Gods concerts, created by Bruce Mee and Mark Ashton, served as a showcase for Now & Then's artists [48][49]. In 2004 Mee and Kieran Dargan tried to revive them [48], and the following year they picked up the baton with Firefest. The first edition was held in Bradford in 2005, and the second, in November of that year, at Rock City in Nottingham [49][50], which from then on was the festival's main home [51][52]. According to Stereoboard, its greatest achievement was the reunion and subsequent revival of FM, in the writer's view Britain's greatest AOR band [48]: on October 27, 2007, headlining Firefest, the group played in public for the first time in twelve years [53]. The 2008 edition was billed as the last, but after Firehouse's headline set Dargan went on stage and declared that the show would go on [48]. Reports from its later editions kept returning to the same observation: the sheer number of Scandinavian bands and Italy's growing weight in the scene [52]. In 2013 it was announced that the following edition would be the farewell [48], and the eleventh and final one took place in October 2014 [49][52]. The following year, on the same weekend and at the same venue, a new festival, Rockingham, made its debut [54].

The other great means of survival has been the archive. According to the magazine itself, Derek Oliver founded Rock Candy Records in 2006 to license classic rock albums that were often out of print and reissue them remastered and repackaged, and in March 2017 he launched Rock Candy magazine, devoted to seventies and eighties hard rock, with Howard Johnson and Malcolm Dome [55]. The reappraisal has reached the mainstream press too. Marking the publication of Rees's book, USA Today observed that the "corporate rock" tag still hangs over those bands, even though Toto, Journey, Boston, Heart, Bon Jovi and Styx regularly exceed ten million monthly listeners on streaming platforms [35].

More than half a century after Mike Harrison and Lee Abrams brought order to American FM radio, the abbreviation AOR no longer describes a radio format but a repertoire: that of the big sellers of 1976 to 1986, but also that of the many other bands who recorded in the same musical language with far less fortune, and whose records survive in short-run pressings, demos and specialist reissues. Documenting that second repertoire, with primary sources in hand, is the reason this blog exists.

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HISTORIA DEL AOR

AOR: de formato radiofónico a género musical

Pocas etiquetas del rock han cambiado tanto de significado como las tres letras que dan nombre a este archivo. En el uso británico, la sigla AOR puede desarrollarse como album-oriented rock, adult-oriented rock o album-oriented radio [1], y en los ochenta circuló también como arena-oriented rock, es decir, rock de estadio [2]. La propia prensa especializada admite que ni siquiera hay acuerdo sobre su forma completa y que el término suele emplearse como un cajón de sastre [3], y buena parte del público etiqueta esta música como melodic rock o, a veces, melodic hard rock [2]. Esa ambigüedad es consecuencia directa de su historia. La expresión nació en Estados Unidos como una manera de programar emisoras de FM y acabó designando un estilo, un rock melódico pero contundente y de producción cuidada que dominó la radio estadounidense desde finales de los setenta y durante buena parte de los ochenta [4], y que hoy sobrevive gracias a sellos independientes, festivales y reediciones.

La historia empieza en el dial de FM. El 1 de julio de 1964, la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) aprobó una norma que prohibía a las emisoras de FM de ciudades de más de 100.000 habitantes dedicar más de la mitad de su semana de emisión a repetir la programación de una emisora de AM del mismo propietario; el organismo confiaba en que la medida estimulara el desarrollo de la FM [5]. Tras un aplazamiento, la norma entró en vigor el 15 de octubre de 1965, aunque las exenciones concedidas retrasaron su plena aplicación hasta comienzos de 1967 [5][6]; la FCC la derogó en 1986 para aliviar a las emisoras de AM [6]. KMPX-FM, en San Francisco, era entonces una emisora de programación en lenguas extranjeras, vendida en bloques a terceros [7]. En febrero de 1967, Larry Miller ocupó su franja de madrugada con un programa que él mismo llamaba de «folk rock», y el 7 de abril se incorporó Tom Donahue [7], que introdujo un formato comercial «underground» de programación libre [8] en el que los propios locutores elegían las pistas de álbum [9]. En junio la emisora suprimió por completo su programación en chino [8], y el 6 de agosto, al expirar los últimos contratos en lenguas extranjeras, pasó a emitir rock las veinticuatro horas del día [7]. En marzo de 1968, después de que Donahue fuera sustituido como director de programación, la plantilla de KMPX se declaró en huelga, y en mayo él y otros huelguistas pasaron a KSAN, de Metromedia [7]. El Museum of Broadcast Communications considera el modelo de Donahue el origen de la radio progresiva y, más tarde, de la radio AOR, y recuerda que la fórmula libre perdió fuerza cuando su popularidad decayó y las direcciones de las emisoras empezaron a recuperar un control más estricto sobre los locutores y sus listas [8].

De ese proceso de ordenación nació la expresión. Según su biografía profesional, Mike Harrison, director de programación de KPRI en San Diego, acuñó a comienzos de los setenta el término Album Oriented Rock para referirse a una variante más comercial y accesible de la radio progresiva, y fue el primer programador que lo desarrolló y promovió como formato; la misma biografía describe el formato como la siguiente etapa del progressive rock radiofónico y el antecesor del classic rock [10]. En agosto de 1975, Harrison dejó la dirección de programación de KPRI para incorporarse a tiempo completo a la revista profesional Radio & Records, en cuya cabecera figuraba como editor de AOR, con el encargo de ampliar la sección de Album Oriented Rock; con ello, según la propia revista, Radio & Records pasaba a ser la única publicación del sector con equipos a tiempo completo para rock, country, pop/MOR y AOR [11]. Según The Washington Post, Lee Abrams puso en marcha el día de Año Nuevo de 1973 un formato al que llamó Superstars [12]. Su idea central, según él mismo ha explicado, era que la familiaridad del oyente se construyera en torno al artista y no a la canción [13]: las emisoras que adoptaban el formato programaban temas menos conocidos de nombres consagrados, y la elaboración de las listas dejaba de depender de los locutores para quedar en manos de consultores y directores de emisora [12]. Abrams ha contado que firmó la asesoría de WQDR, en Raleigh (Carolina del Norte), cuando aún trabajaba en la emisora WRIF de Detroit, y que a la semana siguiente se trasladó a Atlanta para poner en marcha la consultora Burkhart/Abrams [13]. En WQDR, la lista de canciones y la estructura de programación que darían forma a Superstars las crearon Abrams, el director de programación David Sousa y Robert W. Walker, colaborador de Abrams; tras su primer año, el formato se usaba ya en más de treinta mercados de Estados Unidos [14]. En un reportaje de enero de 2003, The Washington Post sostuvo que «durante la mayor parte de los setenta y los ochenta» Abrams fue el personaje más influyente de la FM estadounidense, y dijo que Superstars fue «el Modelo T de los formatos de rock en FM», la plantilla de todo lo que vino después [12].

La sigla, en origen un término técnico del sector radiofónico, acabó designando un género [4]. El periodista Paul Rees, autor de una historia oral del estilo, sitúa el punto de partida en el debut homónimo de Boston, publicado en 1976, y en su primer sencillo, «More Than a Feeling», y sostiene que su éxito abrió paso a otros grupos [4]. Aquel larga duración es, además, un caso extremo de control creativo. Según explicó Tom Scholz a Classic Rock, Epic designó como productor a John Boylan; Scholz tocó en su sótano la guitarra, el órgano y el bajo, la batería corrió a cargo de Sib Hashian y Jim Masdea, y después se llevaron las pistas instrumentales a Los Ángeles, donde Brad Delp sobregrabó las voces; el disco lo mezclaron Boylan y Scholz [15]. El propio Scholz se refiere a él como un álbum de más de diecisiete millones de copias vendidas [15].

Foreigner se formó en 1976 en torno al guitarrista Mick Jones, el cantante Lou Gramm e Ian McDonald, procedente de King Crimson [16]. En San Francisco, Journey cambió de rumbo cuando su mánager, Herbie Herbert, incorporó en 1977 al cantante Steve Perry y contrató como productor a Roy Thomas Baker; Infinity, publicado a comienzos de 1978, llegó al número 21 de la lista de álbumes de Billboard [17]. A finales de los setenta, Styx fue reconocido como uno de los pioneros del llamado pomp rock, una versión estadounidense del rock progresivo concebida para encajar en la radio comercial sin sacrificar la exigencia instrumental, que el grupo asentó con notable éxito junto a Kansas y Starcastle [18]; The Grand Illusion (A&M, 1977) fue el primer álbum de Styx en superar el millón de copias [3]. Fue el periodista Geoff Barton quien, desde las páginas de Sounds, lanzó la exclamación «Pomp rock lives! Head for the hills!»; en el Reino Unido, sin embargo, el estilo nunca salió de la marginalidad, buena parte del público lo tenía por pretencioso, y a comienzos de los ochenta ya se había agotado como corriente [19]. Los puristas, de hecho, siguen clasificando a Kansas, Styx o los británicos Magnum como formaciones de pomp antes que de AOR [3].

En Los Ángeles, el circuito de los estudios de grabación aportó otra vertiente. Toto, fundado por el teclista David Paich y el batería Jeff Porcaro, que ya habían coincidido como músicos de sesión en varios discos, publicó su primer álbum en 1978 [20]. En 1980, los productores David Foster y Jay Graydon editaron el único álbum de Airplay, que Tower Records Japón presenta como un libro de texto del AOR y que, junto a Toto, dio nombre a toda una corriente conocida en aquel país como «TOTO/Airplay» [21]. Según el propio Graydon, fueron los aficionados japoneses quienes acuñaron la etiqueta «Westcoast Sound» para el estilo que, a su juicio, nació con ese disco [22]. La geografía importa, porque en Japón la sigla designa otra música. Según Sony Music Japan, el género que a finales de los setenta se conocía en Estados Unidos como adult contemporary pasó a llamarse allí AOR (Adult Oriented Rock), una expresión en inglés acuñada en Japón y asociada a una música sofisticada y urbana; aunque hay varias teorías sobre su origen, pocos discuten la influencia de Silk Degrees (1976), de Boz Scaggs [23]. De ahí que un aficionado japonés y otro europeo puedan referirse todavía hoy a cosas distintas con la misma sigla.

El cambio de década llevó al AOR a lo más alto de las listas. Hi Infidelity, de REO Speedwagon, publicado por Epic en noviembre de 1980 con la referencia 36844, llegó al número uno de Billboard el 21 de febrero de 1981, sumó quince semanas en esa posición y fue el larga duración de rock más vendido del año [24]. 4, de Foreigner, producido por Robert John «Mutt» Lange y grabado en Electric Lady Studio, en Nueva York, tras la salida de Ian McDonald y del teclista Al Greenwood [25], pasó diez semanas en el número uno, repartidas en tres etapas, a partir de agosto de 1981 [16][25], y Escape, publicado por Columbia ese mismo año, dio a Journey su primer número uno [17]. El 21 de marzo de 1981, Billboard empezó a publicar «Top Tracks», una lista que medía la difusión de canciones en las emisoras AOR con independencia de que se hubieran editado como sencillo; rebautizada como Top Rock Tracks en 1984, Album Rock Tracks en 1986 y Mainstream Rock Tracks en 1996, es el origen de la actual Mainstream Rock [26][27]. Por entonces, el propio Mike Harrison colaboraba con la revista como columnista de radio y asesor de listas [10]. En 1982 llegaron el debut de Asia, el grupo formado por John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes y Carl Palmer, que acumuló nueve semanas en el número uno de la lista de álbumes de Billboard —interrumpidas durante tres por Tug of War, de Paul McCartney— y cerró el año como el disco más vendido de Estados Unidos [28], y «Eye of the Tiger», compuesta por Jim Peterik y Frankie Sullivan por encargo de Sylvester Stallone para Rocky III tras negarse Queen a ceder «Another One Bites the Dust» [29]. La canción dio a Survivor seis semanas en el número uno de la Billboard Hot 100 y un Grammy a la mejor interpretación rock de dúo o grupo con voz [29][30]. Toto IV, publicado por Columbia en abril de 1982 [31], obtuvo seis premios en la 25.ª edición de los Grammy, entre ellos Grabación del Año por «Rosanna», Álbum del Año y Productor del Año; la propia Academia de la Grabación recuerda que la crítica rock de la época apenas valoraba al grupo [32].

El éxito comercial no se tradujo en reconocimiento crítico. A medida que Journey acumulaba ventas, parte de la prensa empezó a utilizar la etiqueta corporate rock como arma arrojadiza contra el grupo [33], y Dave Marsh, crítico de Creem y Rolling Stone, concedió en The New Rolling Stone Record Guide (1983) una sola estrella sobre cinco a cada uno de los nueve álbumes que Journey había publicado hasta entonces, Escape incluido [34]. Dennis DeYoung, de Styx, resume el agravio desde el otro lado: a su juicio, Foreigner y el resto de grupos de aquella década fueron despachados por la prensa rock por tener la osadía de componer canciones pegadizas que el público disfrutaba [4]. Rees, por su parte, sostiene que esta música triunfó sin necesidad del visto bueno de los críticos [35].

MTV empezó a emitir el 1 de agosto de 1981 [36], y Rees apunta que el canal pudo contribuir al declive del género; como síntoma temprano señala el vídeo de «Rock Me Tonite» (1984), de Billy Squier [4]. El AOR, sin embargo, no desapareció, sino que se transformó. Bon Jovi, Def Leppard y los suecos Europe se convirtieron en gigantes del género y extendieron su atractivo al gran público [3]. Slippery When Wet, publicado por Bon Jovi el 18 de agosto de 1986 y producido por Bruce Fairbairn, pasó ocho semanas en el número uno, dio al grupo dos números uno en sencillos coescritos con Desmond Child, «You Give Love a Bad Name» y «Livin' on a Prayer», y fue el álbum más vendido de 1987 según Billboard [37]. La historia oral de Rees acota entre 1976 y 1986 los años de gloria del AOR [38].

En el Reino Unido, la revista Kerrang! nació el 6 de junio de 1981 como número especial de heavy metal del semanario Sounds, a cargo de Geoff Barton y dedicado a la nueva ola del heavy metal británico y al auge del hard rock; su éxito la convirtió en mensual y, desde 1987, en semanal [39]. Entre sus redactores figuraba Derek Oliver, procedente de Melody Maker, que en 1989 se trasladó a Estados Unidos, donde trabajó en A&R para sellos como Atlantic, Atco, East West, Elektra o Roadrunner [40]. La revista influyó también en el coleccionismo de AOR. Oliver encontró en la tienda Record and Tape Exchange de Goldhawk Road, en Londres, un ejemplar del LP de Alpha Centauri, un grupo al que se creía de Winnipeg, donde tenían su sede su mánager y su sello, pero que resultó ser de Greeley (Colorado); la reseña entusiasta que el disco recibió después en Kerrang! lanzó a los aficionados al AOR a buscarlo [41]. Rarezas de ese tipo, como el LP de Cinema Face, grupo de Toronto, que llegó a pagarse a cientos de dólares en Europa, figuraron entre las prioridades del sello canadiense Pacemaker, fundado en 1992 para reeditar en CD a artistas de su país [41].

El 11 de enero de 1992, Nevermind, de Nirvana, desplazó a Dangerous, de Michael Jackson, del número uno de Billboard, un relevo que la propia revista vincula con el comienzo de la era grunge [42]. Para el AOR, la década fue la de la supervivencia en los márgenes. Según Dave Ling, cofundador de Classic Rock, los grandes del género en los setenta habían acabado en el mismo saco que el hair metal, y el grunge se llevó por delante a ambos; Bon Jovi supo adaptarse con Keep the Faith, aparcando el tipo de himno que había firmado con Desmond Child, pero fue una excepción, y la mayoría de los grupos lo pasó mal en una industria que no les dio tregua [43]. Ling sostiene que el rock melódico sobrevivió en la clandestinidad, lejos del gran público, gracias a bandas como Crown of Thorns o Unruly Child y a sellos independientes como Escape Music y Now & Then [43]. Now & Then nació en otoño de 1992 por iniciativa de Mark Ashton, Bruce Mee y Peter Sims, responsables hasta entonces del fanzine Boulevard [44]; Escape Music se constituyó en agosto de 1996 a partir de la sociedad entre Khalil Turk y Barrie Kirtley, coautor de los fanzines AOR Basement y AOR Classics [45]. Completaban aquella red la web Melodicrock.com, de Andrew McNeice, las empresas de venta por correo y el sello alemán MTM [46].

En Italia, mientras tanto, nacía Frontiers. Según el relato de la propia compañía, el 27 de febrero de 1996 Serafino Perugino registró en Nápoles una empresa a la que dio ese nombre en homenaje al álbum de Journey de 1983; su primera operación fue pagar una factura al sello sueco Westcoast Records por unos CD que nadie distribuía en Italia [47]. En 1997, Now & Then firmó un acuerdo de licencia para que Frontiers comercializara sus producciones en toda Europa [44]. Lo que empezó como una distribuidora se convirtió, siempre según Frontiers, en el sello de referencia del rock melódico y, más tarde, también del hard rock y el metal; en 2010 cerró un acuerdo de distribución para Norteamérica con Caroline/EMI y en 2014 organizó en Milán la primera edición del Frontiers Rock Festival, reservado a artistas de su catálogo [47].

El circuito en directo siguió un camino paralelo. Entre 1993 y 2002, los conciertos The Gods, creados por Bruce Mee y Mark Ashton, sirvieron de escaparate a los artistas de Now & Then [48][49]. En 2004, Mee y Kieran Dargan intentaron resucitarlos [48], y al año siguiente recogieron el testigo con Firefest. La primera edición se celebró en Bradford en 2005, y la segunda, en noviembre de ese mismo año, en la sala Rock City de Nottingham [49][50], que desde entonces fue la sede principal del festival [51][52]. Según Stereoboard, su mayor hazaña fue la reunión y el posterior resurgimiento de FM, para el autor la mejor banda británica de AOR [48]: el 27 de octubre de 2007, como cabeza de cartel de Firefest, el grupo volvió a tocar en público por primera vez en doce años [53]. La edición de 2008 se anunció como la última, pero tras la actuación de Firehouse, cabeza de cartel, Dargan subió al escenario y anunció que el festival seguiría [48]. En las crónicas de sus últimas ediciones se repetía una constatación: la abundancia de grupos escandinavos y el peso creciente de Italia en la escena [52]. En 2013 se anunció que la edición siguiente sería la despedida [48], y la undécima y última se celebró en octubre de 2014 [49][52]. Al año siguiente, el mismo fin de semana y en la misma sala, se estrenó un festival nuevo, Rockingham [54].

La otra gran vía de supervivencia ha sido el archivo. Según la propia revista, Derek Oliver fundó en 2006 Rock Candy Records para licenciar álbumes clásicos de rock que a menudo estaban descatalogados y reeditarlos remasterizados y con nueva presentación, y en marzo de 2017 lanzó, junto a Howard Johnson y Malcolm Dome, la revista Rock Candy, dedicada al hard rock de los setenta y los ochenta [55]. La reivindicación ha alcanzado también a la prensa generalista. Con motivo de la publicación del libro de Rees, USA Today subrayaba que la etiqueta de corporate rock sigue pesando sobre aquellos grupos, aunque Toto, Journey, Boston, Heart, Bon Jovi o Styx superan con regularidad los diez millones de oyentes mensuales en las plataformas de streaming [35].

Más de medio siglo después de que Mike Harrison y Lee Abrams pusieran orden en la FM estadounidense, la sigla AOR ya no describe un formato de radio, sino un repertorio: el de los grandes superventas de 1976 a 1986, pero también el de muchos otros grupos que grabaron en ese mismo idioma musical con mucha menos fortuna y cuyos discos sobreviven en prensados de tirada corta, maquetas y reediciones especializadas. Documentar ese segundo repertorio con las fuentes primarias en la mano es la razón de ser de este blog.

Sources / Fuentes

1. Collins English Dictionary, entry "AOR" (via Dictionary.com). https://dictionary.com/browse/AOR
2. Bigenc (Great Russian Encyclopedia), entry "AOR." https://bigenc.ru/c/aor-9f9201
3. Louder (Classic Rock), "A beginner's guide to 70s AOR in 10 essential albums." https://www.loudersound.com/music/albums/70s-aor-10-essential-albums
4. Kirkus Reviews, review of Paul Rees, Raised on Radio: Power Ballads, Cocaine & Payola – The AOR Glory Years 1976-1986 (New York: Da Capo Press, 2026). https://www.kirkusreviews.com/book-reviews/paul-rees/raised-on-radio-2
5. Radio Survivor, "1965: the year the FCC helped FM radio take off." https://www.radiosurvivor.com/?p=34250
6. Wikipedia, "FM Non-Duplication Rule." https://en.wikipedia.org/wiki/FM_Non-Duplication_Rule
7. Bay Area Radio Museum, "A Brief History of 106.9 FM" (KMPX). https://bayarearadio.org/timeline_106.9-fm
8. Museum of Broadcast Communications, "Donahue, Tom." https://www.museum.tv/portfolio-2/donahue-tom
9. Broadcast Pioneers, "Tom Donahue." https://broadcastpioneers.com/bp10/tomdonahue.html
10. Biography of Michael Harrison on the episode page "Michael Harrison, Editor and Publisher of Talkers" (Libsyn). https://sites.libsyn.com/401858/michael-harrison-editor-and-publisher-of-talkers ; see also Talkers, "Rock Promotion Legend Paul 'Rap' Rappaport Guests on Harrison Podcast" (2022). https://talkers.com/?p=1011627
11. Radio & Records, vol. 3, no. 34, August 29, 1975, "Harrison Exits KPRI To Join R&R Full Time" (World Radio History archive). https://www.worldradiohistory.com/Archive-All-Music/Archive-RandR/1970s/1975/RR-1975-08-29.pdf
12. Frank Ahrens, "Can XM Put Radio Back Together Again?", The Washington Post, January 19, 2003 (reproduced on a DePaul University website). https://condor.depaul.edu/dweinste/rock/XMradio.html
13. Radio Today, "Lee Abrams – Rock Radio SuperStar." https://radiotoday.com.au/lee-abrams-rock-radio-superstar/
14. Wikipedia, "WQDR-FM." https://en.wikipedia.org/wiki/WQDR-FM
15. Louder (Classic Rock), "Tom Scholz reveals the secrets of Boston's masterful debut album" (2006 interview). https://www.loudersound.com/music/albums/tom-scholz-boston-debut-album-interview
16. Songfacts, Foreigner page. https://www.songfacts.com/facts/foreigner
17. Rock & Roll Hall of Fame, "Journey." https://rockhall.com/journey
18. Louder (Prog), "Styx: 'We've never moved totally away from our love of prog'." https://www.loudersound.com/features/styx-weve-never-moved-totally-away-from-our-love-of-prog
19. Louder (Classic Rock), "10 pomp rock albums you should definitely own." https://www.loudersound.com/features/10-essential-pomp-rock-albums
20. Wikipedia, "Toto (band)." https://en.wikipedia.org/wiki/Toto_(band)
21. Tower Records Japan, campaign feature on AOR (May 2020). https://tower.jp/article/campaign/2020/05/21/27
22. Jay Graydon, official website, "Yacht Rock – Westcoast Pop – R&B – Soft Rock – AOR." https://jaygraydon.com/Yachtrock_Westcoast.htm
23. Sony Music Japan, news item on Boz Scaggs's Japanese tour (2026). https://www.sonymusic.co.jp/artist/BozScaggs/info/584035
24. Sony Music, press release on the 30th-anniversary reissue of Hi Infidelity, May 24, 2011. https://sony.mediaroom.com/2011-05-24-REO-Speedwagons-30-Year-Anniversary-of-Multi-Platinum-1-Breakthrough-Hit-Hi-Infidelity-Brings-Re-Release-With-Double-CD-Package-Due-Out-July-19-2011
25. Louder (Classic Rock), "The Strange And True Story of Foreigner 4." https://www.loudersound.com/features/the-strange-and-true-story-of-foreigner-4
26. Joel Whitburn's Record Research, Rock Tracks 1981-2020. https://www.recordresearch.com/books/rock-tracks-1981-2020/
27. Wikipedia, "Mainstream Rock (chart)." https://en.wikipedia.org/wiki/Mainstream_Rock_(chart)
28. Louder (Classic Rock), "'I really didn't expect the scale of the success': The story behind Asia's self-titled debut album." https://www.loudersound.com/features/i-really-didnt-expect-the-scale-of-the-success-the-story-behind-asias-self-titled-debut-album
29. Wikipedia, "Eye of the Tiger." https://en.wikipedia.org/wiki/Eye_of_the_Tiger
30. Blabbermouth, "Survivor's 'Eye Of The Tiger' Surpasses One Billion Streams On Spotify." https://blabbermouth.net/news/survivors-eye-of-the-tiger-surpasses-one-billion-streams-on-spotify
31. Sessiondays, "1982 Toto – IV." https://www.sessiondays.com/?p=3807
32. Recording Academy (Grammy.com), feature on the 25th GRAMMY Awards. https://www.grammy.com/news/list-john-williams-eddie-murphy-7-things-know-about-25th-grammy-awards/
33. Ultimate Classic Rock, excerpt from the book Journey: Worlds Apart. https://ultimateclassicrock.com/journey-worlds-apart-book/
34. The San Juan Daily Star, "Dave Marsh, rock critic who loved Springsteen and hated the Dead, dies at 76." https://www.sanjuandailystar.com/post/dave-marsh-rock-critic-who-loved-springsteen-and-hated-the-dead-dies-at-76
35. USA Today (via AOL), "Bon Jovi, Journey and other rockers still tour, still rule airwaves. Here's the appeal." https://www.aol.com/articles/bon-jovi-journey-other-rockers-235022465.html
36. Bob D'Angelo, "MTV music channels go dark the way they began, with 'Video Killed the Radio Star'," Cox Media Group (via WFTV), January 2, 2026. https://www.wftv.com/news/trending/mtv-music-channels-go-dark-way-they-began-with-video-killed-radio-star/QQU5OYR55JHAXIZDOGTNXHCTNE/
37. ABC Audio, "On This Day, Aug. 18, 1986: Bon Jovi releases their breakthrough album 'Slippery When Wet'" (via WMMO). https://www.wmmo.com/news/this-day-aug-18-1986-bon-jovi-releases-their-breakthrough-album-slippery-when-wet/ODIQ4TXD7I27VHEDS4UWUBC4LI
38. Hachette Book Group, publisher's page for Raised on Radio. https://www.hachettebookgroup.com/titles/paul-rees/raised-on-radio/9780306836046/
39. Wikipedia, "Kerrang!" https://en.wikipedia.org/wiki/Kerrang!
40. Blabbermouth, "SPV Announces New A&R Partnership With Derek Oliver," November 25, 2010. https://blabbermouth.net/news/spv-announces-new-a-r-partnership-with-derek-oliver
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42. Billboard, "Rewinding the Charts: In 1991, Nirvana's 'Nevermind' Dethroned the King of Pop." https://www.billboard.com/?p=8093902
43. Dave Ling, "10 Essential 90s AOR Albums," Louder (Classic Rock). https://www.loudersound.com/features/10-essential-90s-aor-albums
44. Get Ready to Rock!, label profile: Now And Then. https://www.getreadytorock.com/features/now_and_then.htm
45. Get Ready to Rock!, label profile: Escape Music. https://getreadytorock.com/features/escape.htm
46. Get Ready to Rock!, "Feature: Albums that time forgot – RANSOM – Trouble In Paradise." https://getreadytorock.me.uk/blog/?p=66874
47. Frontiers, "Frontiers Turns XX" (2016). https://frontiers.it/news/10825
48. Simon Ramsay, "Firefest: Between Melodic Rock And A Hard Place," Stereoboard, October 16, 2013. https://stereoboard.com/content/view/182122/9
49. Adrian Hextall, report on "FireFest: The Final Fling" (Friday, October 24, 2014), Myglobalmind. https://myglobalmind.com/2014/11/16/firefest-final-fling-friday-rock-city-nottingham-october-24-2014/
50. Get Ready to Rock!, review of Firefest 2 (Rock City, Nottingham, November 26, 2005). https://getreadytorock.com/reviews/firefest2_gig.htm
51. Andy Nathan, feature on Firefest, Get Ready to Rock! (2010). https://getreadytorock.com/features/firefest2.htm
52. Get Ready to Rock!, reviews of Firefest 2012 and Firefest X (2013). https://getreadytorock.com/reviews2012/12firefest.htm ; https://getreadytorock.me.uk/blog/?p=14596
53. Wikipedia, "FM (British band)." https://en.wikipedia.org/wiki/FM_(British_band)
54. Myglobalmind, review of Rockingham Festival (Rock City, Nottingham, 23–25 October 2015), November 18, 2015. https://myglobalmind.com/2015/11/18/rockingham-festival-23-to-25-october-2015-live-gig-review/
55. Rock Candy Magazine, "About" and "FAQ" pages. https://rockcandymag.com/about ; https://rockcandymag.com/faq